Mies van der Rohe (1886-1969)

Cuando uno entra por primera vez en la Escuela de Arquitectura para estudiar lo que cree que más se ajusta a su vocación artística y creativa, se da cuenta de que no sabe absolutamente nada. Pronto empiezan a sonar tres nombres que son como las tres patas sobre las que apoyarse para empezar a entender algo: Frank Lloyd Wright, Le Corbusier y Mies van der Rohe.

Le Corbusier, Mies van der Rohe y Frank Lloyd Wright

Mies van der Rohe es El Arquitecto por excelencia. Sus obras son claras y nítidas, aunque detrás de la aparente sencillez existe un proceso de eliminación de lo superfluo que empieza desde los inicios de su carrera, y que al final será su sello de identidad. Todo se resume en un lema conciso pero tremendamente poderoso: Menos es más.

Croquis de la evolución de la estructura de la Casa Farnsworth, 1945

El trabajo de Mies durante cerca de 60 años es intenso, y por ello ha dejado un gran número de obras significativas realizadas, y muchos proyectos que son fuente de inspiración. Se podría hablar de dos etapas, la alemana y la americana, y el año 1938 como punto de inflexión entre una y otra. O mejor aún, la de Berlín y la de Chicago, ya que fue en estas dos ciudades donde se asentó profesionalmente en momentos diferentes de su vida.

Mies con su hija Georgia y Fritz Schreiber, de paseo por el Havel en Alemania,
con motivo del cierre de la Bauhaus (mayo de 1933)

Meldensohn, Peterhans, Hilberseimer y Mies
frente al auditorio de Chicago (c. 1940)

A la edad de 19 años Mies hace las maletas y se traslada a Berlín desde su ciudad natal, Aquisgrán, sin demasiado apoyo económico por parte de sus padres, pero con la experiencia adquirida en una empresa especializada en ornamentos de estuco, y el talento de dibujar tanto a mano alzada como a escala sobre tablero. Consigue un empleo de delineante en el estudio del arquitecto Bruno Paul a la vez que continúa su formación en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela Superior de Artes Plásticas. A los 20 años ya recibe su primer encargo, la Casa Riehl. En los años siguientes se interesa por las obras de arquitectos como Peter Behrens, para el que trabajó, el holandés Hendrik Petrus Berlage o el americano Frank Lloyd Wright, de quien dijo que “había conseguido dar con la verdadera fuente de inspiración de la arquitectura”.

Casa Riehl en Neubabelsberg, Postdam (1906-07)

La casa seguía el gusto predominante de su tiempo, en un estilo sencillo y práctico

con referencias a la arquitectura de residencias de principios del siglo XIX

Plantas baja y primera de la Casa Riehl
Los interiores están distribuidos en torno a un hall central

En 1913, con mucho esfuerzo, abre su propio estudio en Berlín. Los primeros años no son fáciles, ya que apenas recibe encargos, pero ello le dio la oportunidad de desarrollar una forma de proyectar muy característica, ya presente en sus primeros trabajos. Al tiempo que realizaba proyectos de arquitectura neoclásica para berlineses acomodados, frecuentaba los círculos de artistas de vanguardia. Sin embargo para algunos arquitectos las obras de Mies carecían de modernidad. Por este motivo Walter Gropius rechazó su participación en la “exposición para arquitectos desconocidos”, hecho que le afectó profundamente, aunque siempre mantuvo con él una fría y respetuosa amistad, llena a la vez de inconfesable admiración y de desafiante menosprecio. Ingresó en el grupo “Noviembre”, compuesto por artistas radicales, y poco después en la Deutsche Werkbund, una de las organizaciones más influyentes de la cultura moderna alemana. Con su amigo Hans Richter, artista y director de cine, editó la revista vanguardista G: Zeitschrift für elementare Gestaltung.

Mies, de espaldas a la cámara, 
en la primera Feria Internacional Dadá en Berlin (1920)

La Casa de campo de hormigón en G (1923)

De 1921 a 1924 realizó cinco proyectos de los que no se llegó a edificar ninguno. Cuatro de ellos fueron publicados en la revista G. En estos “Cinco proyectos” se reivindica el concepto de construcción frente a estética, el uso del hormigón, el acero y el vidrio como elementos que se deben utilizar para construir sin pensar en la forma. “La forma no es el objetivo, sino el resultado de nuestro trabajo”. Esto le sirve para obtener el reconocimiento general y situarse como uno de los impulsores de la vanguardia.

Proyecto rascacielos de vidrio (1922)

Proyecto Casa Concrete Country (1923)
Dibujo en perspectiva sobre papel a pastel y lapicero

Proyecto Casa Brick Country (1924)
La disposición de la planta está influenciada por la estética De Stijl

1926 fue un año clave para Mies van der Rohe. Fue nombrado vicepresidente de la Deutsche Werkbund, lo cual no sólo le convertía en el más importante de los arquitectos de Alemania, sino también de los intelectuales alemanes, franceses, holandeses y belgas dentro del Movimiento Moderno Internacional. Además se le encargó la realización de la exposición de la Werkbund que tendría lugar en Stuttgart en 1927, donde aprovechó para investigar la posibilidad de desarrollar plantas variables mediante tabiques móviles y por tanto mejorar la fluidez de los espacios. Durante este proyecto se produjo la primera colaboración con Lilly Reich, quien permanecería a su lado como colaboradora y compañera sentimental hasta su traslado a Estados Unidos en 1938.

Bloque de apartamentos Mies, Urbanización Weißenhof, Stuttgart.
Publicidad de Mercedes-Benz (c. 1928)

Interiores de Mies van der Rohe y Lilly Reich

Izquierda - Espacio de Cristal en la Exposición de la Vivienda, Stuttgart (1927)

Derecha - Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona (1929)

Esta nueva experiencia espacial encontró su primera forma de expresión en 1929 con el Pabellón de Alemania para la Exposición Universal de Barcelona, y en 1930 con la realización de la Mansión Tugendhat en Brno. Estos edificios le dieron la fama universal a Mies al aparecer una noción radicalmente nueva de espacio dinámico. Éste se concibió asociado al movimiento para así vivir una experiencia a través del tiempo y el espacio. Barcelona y Brno sirvieron como punto de partida del desarrollo de posteriores creaciones, como la Casa Farnsworth, el Crown Hall o la Nueva Galería Nacional.

Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona (1929)

Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona (1929)

Cenador Macasar de la Casa Tugendhat, Brno, República Checa (1930)

Casa Tugendhat - Jardín de invierno visto a través del estudio

Los años siguientes serían los más productivos de Mies. En 1930 le ofrecieron el puesto de director de la Bauhaus en Dessau, que estaba bajo amenaza de cierre por motivos políticos. La sede se trasladó a Berlín y allí dirigió la Escuela hasta su autodisolución en 1933.

Mies van der Rohe viaja a Estados Unidos, pero este paso ya no es el mismo que cuando se muda desde su ciudad natal a Berlín. En 1938 es un arquitecto reconocido, y uno de los pocos contratiempos que surgen es el idioma. No obstante, eso no le impide aceptar el puesto de director del Chicago Armour Institute of Technology, más tarde conocido como Illinois Institute of Technology (IIT). Muchas de las ideas de combinaciones acero-acero, acero-ladrillo y acero-vidrio, que esbozó en los años 20, pudo verlas hechas realidad en los rascacielos que proyectó en Chicago y Nueva York, como los apartamentos Lake Shore Drive y el Seagram Building, respectivamente.

Apartamentos Lake Shore Drive, Chicago (1948-51)

Vista del vestíbulo de los Apartamentos Lake Shore Drive

Seagram Building, Nueva York (1954-58)

Vista a través de las fuentes de la plaza con la Casa SOM Lever al fondo

Una oficina del Seagram Building

Cuanto más se lee sobre Mies más se aprende, pero paradójicamente uno tiene la sensación de saber cada vez menos, menos aún que cuando se entra por primera vez en la Escuela de Arquitectura. Se suele decir que lo importante de sus obras está en los detalles, y supongo que es verdad porque por mucho que se le intenta copiar nunca se llega a igualar su calculada simplicidad. Dicen que cuando dibujaba el mobiliario en un plano, lo hacía pensando en situarlo exactamente así una vez concluida la obra. Ni un milímetro más ni uno menos.

Casa Farnsworth, Plano, Illinois (1945-51)

Casa Farnsworth - Vista del dormitorio hacia la entrada

Nueva Galería Nacional, Berlín (1962-68)

Cubierta y cerramiento de vidrio de la Nueva Galería Nacional

Sin duda Mies van der Rohe es, como todos los genios, un personaje complejo, difícil de comprender. Ignaci de Solà-Morales, arquitecto autor de la rehabilitación del Pabellón de Barcelona, escribió sobre él un recomendable artículo en el número 92 de la revista AV Monografías (2001), que concluye con la siguiente descripción:

“Para entenderlo hay que reencontrarlo enfundado en sus trajes exquisitamente cortados, el cigarro habano sostenido entre los dedos con la misma habilidad que el lápiz, a media tarde, a menudo con un martini de más en sus labios, pasando entre las mesas de su estudio con inquisidora mirada analítica y repitiendo a sus colaboradores y ayudantes no sólo su famoso aforismo de que menos es más, sino sobre todo aquel otro en el que su tarea como artista parece resumirse de un modo más definitivo: do it again, hazlo de nuevo.”

Mies en el comedor de su apartamento de Chicago (1965)

Información adicional sobre Mies van der Rohe en facebook.

Prairie Style (1893-1916)

La Exposición Universal de 1893 en Chicago, arrojó grandes beneficios para la ciudad. Pero el carácter oficial de aquel acto, tuvo como consecuencia una vuelta a la arquitectura convencional dentro de la tradición de las bellas artes. Muchos de los jóvenes arquitectos americanos, se sintieron ofendidos por el clasicismo griego y romano de casi cada edificio construido para la feria. Como reacción, se trató de crear un nuevo trabajo en Chicago y sus alrededores que mostrase un estilo único y moderno americano auténtico, que llegó a ser llamado Prairie.

En 1894 un jovencísimo Wright comienza a trabajar por cuenta propia, después de haber trabajado con Sullivan & Adler (Chicago School), alcanzando el éxito de inmediato, sobre todo como arquitecto de casas de gusto exquisito, convirtiéndose así  en uno de los principales representantes de Prairie Style. 

Frank Lloyd Wright Home & Studio 1889-98, Oak Park, Chicago

La congruencia entre la forma de vida y la arquitectura comenzaba con la construcción de casas de planta baja que proporcionaba una proximidad al amplio terreno disponible. Las terrazas, los estanques y las planas superficies de piedra, relacionaban imperceptiblemente el interior con su entorno, eludiendo por completo las gradaciones jerárquicas de las villas europeas, esto lo aderezamos con unas lineas rectas, unos enormes voladizos y unas ventanas agrupadas en franjas horizontales... et voila! Prairie Style.

Robie House; Chicago, Illinois 1908 by Frank Lloyd Wright

Purcell House; Minneapolis, Minnesota 1913 by Purcell & Elmslie

William H. Emery, Jr. House, 1903 by Walter Burley Griffin

Ralph Griffin House; Edwardsville, Illinois 1913 by Walter Burley Griffin

Frederick Carter House; Evenston, Illinois 1910 by Walter Burley Griffin

Architect William Drummond's own house; River Forest, Illinois 1910

Harold C. Bradley House, Madison, WI, by

 Louis Sullivan & George Grant Elmslie

El núcleo de los edificios era, generalmente, una sólida chimenea que proporcionaba el apoyo necesario a las partes restantes de la casa, construidas con mayor levedad. Sin embargo, más importante es el hecho de que aquí se manifestaba una concepción de los colonos que montaban primero lo esencial, el hogar, añadiendo después todo lo demás. Mediante la forma abierta de la planta se creaba también las divisiones acostumbradas de los distintos espacios, la vivienda en el centro, pero los quehaceres domésticos, el trabajo y el descanso se desarrollaban en alas separadas.

Architect William Drummond's own house; River Forest, Illinois 1910

Adolph Mueller House by Marion Mahony 1916

Adolph Mueller House by Marion Mahony 1916, Plan

Prairie Style tenia una cosa muy clara en cuanto a sus diseños, la fabricación artesanal y gremios de artesanos como una reacción en contra de las nuevas técnicas de fabricación, la producción en masa, cuya finalidad era crear productos de calidad inferior y trabajadores deshumanizados. Las normas para el exterior se llevaron al interior de cada casa, realizando así verdaderas obras de arte, pensadas y diseñadas hasta el más ínfimo detalle.

Purcell House; Minneapolis, Minnesota 1913 by Purcell & Elmslie

Frank Lloyd Wright's Dana Thomas House Interior 1904,

 Springfield, Illinois 

Robie House; Chicago, Illinois 1908 by Frank Lloyd Wright 

Walter Burley and Marion Mahony Griffin,

 Café Australia, chair, 1916

Frank Lloyd Wright Barrel Chair 1904

Prairie Style

Información adicional sobre Prairie Style en facebook.

De Stijl (1917-1928)

Al decir De Stijl uno siempre piensa: Holanda, composición, colores, líneas rectas... E inevitablemente le viene a la cabeza el nombre de Piet Mondrian. Es sin duda la cabeza visible de este movimiento de principios del siglo XX. La evolución de sus pinturas resume espléndidamente la filosofía de este tipo de arte tan atractivo visualmente.

Piet Mondrian - Victory Boogie Woogie (1943-44)

(Último trabajo del pintor, inacabado)

De Stijl, que significa "El Estilo", es un movimiento que se originó en la ciudad de Leiden (Paises Bajos) y que trataba de combinar pintura, mobiliario, arquitectura y diseño gráfico según unas reglas teóricas y unas normas arquitectónicas.

Klassiek Barok Modern (transcript of a lecture by TvD)

Cover design by TvD De Sikkel (1920)

Theo van Doesburg, pintor, arquitecto y poeta, fue el fundador de esta corriente artística que reivindicaba el concepto de arte total, es decir la integración de todas las artes de manera que todas las disciplinas se rigieran mediante los mismos principios básicos. Es frecuente encontrar publicaciones que relacionan De Stijl con la Bauhaus ya que, aunque son movimientos claramente diferenciados, comparten conceptos sobre todo relacionados con el funcionalismo y la simplicidad estética. 

Theo van Doesburg - Model of Maison Particulière (1923)

Theo van Doesburg - Maison Particulière (1924)

Theo van Doesburg - Counter-Composition VI (1925)

Un grupo de artistas, entre los que se encontraban los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, así como el arquitecto Jacobus Johannes Pieter Oud, pronto se unieron a Van Doesburg al sentirse identificados con el clima intelectual y espiritual de De Stijl.

Van der Leck, que además era diseñador gráfico, influyó directamente en Mondrian, pues presentaba diseños con colores planos y franjas negras que organizaban el espacio. Esto unido al impacto que le supuso contemplar las pinturas cubistas, le hizo dar el salto de la pintura tradicional a la simbólica, evolucionando en el estilo abstracto hasta llegar a una geometría absolutamente pura.

Bart van der Leck - Composition IV (1917)

Piet Mondrian - Composition with Red, Yellow, Blue and Black (1921)

Las pinturas de Mondrian entonces alcanzaron la importancia suficiente como para ser reconocidas como movimiento pictórico, el neoplasticismo, que se convirtió en la referencia a partir de la cual se fue desarrollando la filosofía de De Stijl, y fue por tanto la seña de identidad visual del movimiento.

Siempre atentos a los avances de la ciencia del movimiento, que parecía describir un universo que se podría explicar matemáticamente, y obsesionados por la armonía universal de la naturaleza, intentaban buscar las leyes universales que rigen la realidad visible a través del arte. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales.

 Theo van Doesburg - Diseño de vidriera, Composición No. IV (1917)

Piet Zwart - Typographic composition & Homage to a Young Girl (1925)

Jacobus Johannes Pieter Oud - Fachada del café de Unie, Rotterdam (1924-25)

Theo van Doesburg y Piet Mondrian ejercieron una influencia notable en diseñadores que se encontraban fuera del movimiento. El arquitecto y diseñador Gerritt Rietveld fue uno de ellos. Se inspiró directamente en las pinturas de Mondrian para crear muebles que pintaba en negro, blanco y colores primarios, y que además de funcionales tenían un componente escultórico muy potente. Además es el autor de la Casa Rietveld Schröder, el único edificio realizado completamente de acuerdo con los principios de De Stijl.

Gerrit Rietveld - Red-Blue Chair (1917-18)

Gerrit Rietveld - Sideboard (1919)

Gerrit Rietveld - End Table (1923)

Gerrit Rietveld - Schröder House (1924)

Gerrit Rietveld - Schröder House Plans (1924)

Gerrit Rietveld - Schröder House Interior (1924)

Una de las normas de la arquitectura neoplástica es muy curiosa. Se refiere al uso, no solo del espacio tridimensional, sino además del tiempo, de modo que con la unión de espacio y tiempo se puede conseguir una imagen plástica más completa. Es lo que se llamó "espacio animado".

Frederick Kiesler - Ciudad en el Espacio.

Estructura Relacional (1925)

Theo van Doesburg - The cinema and ballroom of the

Cafe L'Aubette (1926-28)

Theo van Doesburg - Cinema-Dancehall in the Cafe L'Aubette,

Colour Scheme, preliminary version (1928)

Theo van Doesburg - Cafe L'Aubette, Strabourg

(Color Scheme for Ceiling and Short Walls of Ballroom)

La depuración artística y conceptual de Mondrian hizo que únicamente se utilizaran líneas rectas ortogonales y colores primarios, tanto en sus obras como en las de Van der Leck y Van Doesburg, por lo que difícilmente llegaban a ser diferenciadas. Éste último terminó incluyendo diagonales en sus pinturas, rompiendo así con la estática ortogonalidad de Mondrian, según su criterio, y entendiendo que el nuevo elemento otorgaba mayor dinamismo a sus creaciones. Así desarrolló una nueva teoría, el elementarismo, que Mondrian no acabó de aceptar, por lo que en 1924 dejó de contribuir con sus artículos en la revista De Stijl, publicación que nació junto con el movimiento y en la que se iban plasmando ideas y creaciones.

Bart van der Leck - Composición XX (1920)

 Piet Mondrian - Composition with Black, Red, Gray,

 Yellow And Blue (1920) 

Theo van Doesburg - Counter Composition V (1924)

La etapa De Stijl se cerró en 1928, y su revista tres años después. Hay que reconocer que, a pesar de tener una base teórica muy desarrollada, lo que más queda en la memoria son líneas negras y colores vistosos que forman composiciones equilibradas, de lo cual nos alegramos, aunque sin duda nos gustaría que hoy se levantaran más edificios construidos de acuerdo con esas sencillas reglas. Por suerte muchos edificios de mediados de siglo conservan la filosofía de De Stijl y el Movimiento Moderno, que por alguna razón fue en buena parte ignorada hace pocas décadas y sólo nos damos cuenta de que otra manera de construir es posible cuando vemos fotos de ese tipo de viviendas y decimos: ¡Así es como me gustaría vivir!

Theo van Doesburg - De Stijl Magazine No. 7 (1917)

Bart van der Leck - Horseman (1919)

Gerrit Rietveld - Hanging lighting fixture (1920)

Theo van Doesburg - Model Maison d'Artiste (1923)

Piet Mondrian - Composición (1927)

Información adicional sobre De Stijl en facebook.